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奧莉薇亞魏爾德執導的第三部長片《開放性邀請》，開場就使用了愛爾蘭詩人與劇作家奧斯卡王爾德的殘酷名言：「人應該永遠處於愛情中。這就是人永遠不該結婚的原因。」馬上讓觀眾明白片中主角的婚姻狀態大概是什麼模樣。

《開放性邀請》改編自2020年的西班牙電影《The People Upstairs》，該片曾被多國翻拍，如今美國版的劇本由《真愛Hold不住?!》的編劇檔Rashida Jones與Will McCormack改編，是一部探討婚姻、慾望、信任與遺憾的深刻作品，對伴侶關係的洞察相當銳利且幽默。

住在舊金山的夫妻Joe（塞斯羅根）與Angela（奧莉薇亞魏爾德），婚姻已陷入充滿例行公事及怨恨的痛苦境地，唯一讓兩人苦撐的理由似乎是他們的12歲女兒。Angela趁著今晚女兒去同學家，邀請樓上鄰居情侶檔Hawk（愛德華諾頓）與Piña（潘妮洛普克魯茲）來家中晚餐，Joe對此相當不滿，甚至威脅要當面向鄰居抱怨他們晚上做愛的聲音太吵......

Joe曾是樂團成員，如今卻困在一所平凡的學院裡教音樂，現在住的公寓還是父母留下來的，他非常討厭自己的生活；在家擔任主婦的Angela平日得不到滿足感，將公寓當成自己表現創造力的舞台來分心，隨時想著該如何裝修以及添購別緻的家具，而在今晚，這些裝潢更成為她表現品味、滿足社交需求的道具。

在目前這個階段，已經很難想像Joe與Angela曾相愛過，兩人似乎都不再覺得自己值得被愛被欣賞。Joe已經完全放棄、只想封閉自己，而Angela還在找逃生出口，希望鄰居對她的認可會成為她的生命線。

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開放性邀請 奧莉薇亞魏爾德 塞斯羅根 愛德華諾頓 潘妮洛普克魯茲

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挪威導演尤沃金提爾（Joachim Trier）的首部長片《愛重奏》（Reprise），是一部關於青春、文學抱負與愛情焦慮的電影，捕捉年輕的狂放能量，也揭示它的脆弱與黑暗。

《愛重奏》以兩位奧斯陸的年輕小說家Phillip（Anders Danielsen Lie）與Erik（Espen Klouman Høiner）為核心，透過他們的創作、友情與愛情，展現了青春期的矛盾與不可逆的消逝。

電影開場便以旁白與快速剪輯，呈現兩人同時寄出手稿的情境，並幻想如果兩人都成功出版，命運將如何改變。然而現實卻只眷顧了Phillip，他的小說獲得出版並贏得評論界的讚譽，不過成功的滋味沒有想像中美好，成名的壓力、過度的媒體關注、對女友Kari的執著，最終導致他精神崩潰。Erik則在文學夢想與現實生活間掙扎，旁觀Phillip的跌宕起伏，Erik既羨慕又憂慮。兩人的友情帶有複雜的情緒與波瀾，卻始終不曾真正破裂。

Phillip與Kari的愛情故事，是影片中最浪漫也最痛苦的篇章。兩人曾在巴黎熱戀，那段旅程成為Phillip心中無法磨滅的記憶。他在崩潰後拼命重建過去，試圖逐一重現巴黎的細節，卻只能加深失落。這段情節是愛情與青春的幻象，我們總以為能重來一次，卻終究無法。

電影同時探討了創作野心的破壞性，成功是福氣，但亦可能成為詛咒。影片也觸及心理疾病與身份認同的議題，包括我們如何展現自己，他人如何看待我們，如何在青春的混亂中找到真正的自我。有一段戲是Erik終於見到仰慕已久的作家，但在那個當下他根本無法準確表達想法，在這短短一瞬間，他同時意識到自己如何語塞、以及這位偉大作家會如何看他，但他完全無法扭轉劣勢，任由在他旁邊的另一位友人說出更蠢的話，默默懊惱著在偶像心中，自己跟旁邊這位蠢蛋差不多。這些對自我形象的探問，讓《愛重奏》超越了一般的青春片，成為一部深刻的成年禮。

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尤沃金提爾 愛重奏

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《18顆鑽石》（Diamanti; Diamonds）是義大利導演Ferzan Özpetek的作品，以1970年代羅馬的服裝工作室為背景，試圖向電影幕後的服裝師與女性工匠致敬，然而本片在敘事與主題處理上顯得力不從心，最終成為一部形式大於內容的作品。

《18顆鑽石》以後設角度開場，導演本人召集一群義大利女演員，在庭院裡共進午餐並朗讀劇本，隨即切入1974年的故事。兩位姐妹Alberta（Luisa Ranieri）與Gabriella（Jasmine Trinca）共同經營一家服裝工作室，帶領一群女裁縫，為得獎設計師Bianca製作電影服裝。

故事中交織著多條支線，包括受虐的妻子、參與抗議的少女、憂鬱的少年、單親媽媽等等，並觸及女性職場壓力、情感方面的空虛、以及冒牌者症候群，這些情節看似要展現女性在困境中的掙扎與互助，但往往淪為刻板的詮釋，缺乏深度，甚至讓人感到很做作。

不可否認《18顆鑽石》在服裝方面有一些吸引人之處，工作室裡的布料、鈕扣、縫紉機聲音等等也形成獨特氛圍，有幾場戲的張力也不錯，然而這些不足以抵禦全片帶來的裝模作樣、自命清高的味道。

導演Ferzan Özpetek顯然自我感覺相當良好。片中描繪了一堆掙扎，但每個解決之道都彷彿順手捻來，那些理應更為黑暗的困境，都輕飄飄地缺乏重量。更糟糕的是，本片多次打破第四面牆，將觀眾拉回Özpetek面前，看他自命不凡地悄然望著一切，彷彿自鳴得意於自己心思好細膩、看見了這些不起眼的女人們以及她們的困境，要觀眾們別忘記這是他的創作、是他帶領的一批女演員，到最後甚至還要把片中的雞湯金句再度收集起來成為空屋裡的回響，深怕觀眾第一次聽見時沒能徹底吸收這些不容錯過的金玉良言，整部片幾乎要成為導演的自我歌頌。

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義大利電影 18顆鑽石

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《野生狂廚》的英文片名僅有一個簡單的男生名字"Tony"，但它指的可不是隨便一個Tony，而是名廚安東尼波登。這位個性特質鮮明的主持人／作家／名廚，於2018年自殺身亡後，至今仍未被大眾忘懷，而《野生狂廚》要帶觀眾認識的，不是成為全球知名人物之後的安東尼波登，而是在1975年、周圍的人還稱他為"Tony"的那位19歲少年。這時的他聰明、自視甚高、行為魯莽，生活沒有方向，充滿了不安與未知。

《黑莓》與《超拖樂團之我要幹大事啦！》的導演麥特強森，在《野生狂廚》選擇聚焦波登的早年故事，依據波登回憶錄《廚房機密檔案》裡的幾篇文章改編。誠如波登自己的文字所描述，那時他是個被寵壞、悲慘、自戀、自毀且不經思考的年輕混蛋，需要被好好教訓一頓。

19歲的Tony（多明尼克塞薩）試圖以舌燦蓮花的巧語獲得寫作獎學金，雖然沒成功，但他欺騙父母跟其他人說自己拿到了，還在深夜悄悄逃離紐約的家，前往他暗戀的Nancy（艾蜜莉雅瓊斯）暑期打工的地點，美國麻州濱海小鎮普羅溫斯敦的鱈魚角。發現Nancy有男友之後，Tony在當地酒吧醉酒打鬥，引來該店主廚（安東尼奧班德拉斯）憐憫，讓他睡自家外頭的吊床上，並在餐廳廚房工作。Tony維持著自己在寫小說的假象，不過主廚的指導使得Tony對烹飪漸生興趣，下班後則會跟餐廳同事Sal（李奧伍道爾）一起泡妞打混，這雖令Tony獲得友情陪伴，但也染上Sal的惡習例如酗酒、毒癮等等。

這個人生階段的Tony，以探索不同型態的生活來尋找自我，但他連正確的問題都問不出來，有段時間看起來只是在瞎忙與闖禍，並接連傷害身邊的人。Tony美化了某種漂泊浪人的隨性傲慢態度，也許他覺得酷酷的態度擺久了自然會成為很酷的人，但真正的成功，需要更多與內涵及自律相關的要素。

Tony在Sal與主廚身上看見兩種不同的榜樣，Sal粗魯又暴力，但他有魅力；主廚則相當有紀律，並且帶有沉穩的男子氣概，以及高貴有尊嚴的氣質。這兩位都對Tony最終的學習之旅，至關重要。

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野生狂廚 安東尼波登

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《愛愛愛上你》導演Will Gluck的新作《一夜限定》，找來俊男美女卡倫透納與莫妮卡巴巴羅主演，是一部背景設定特殊的浪漫喜劇。劇本想像某個平行宇宙的美國，成年國民每年只有一晚（12小時）可以有婚前性行為。受這個特殊前提吸引而觀賞《一夜限定》的朋友，可能會有些失望，因為本片將它當成純粹的背景，沒有深入發揮潛力；但如果你只是想看一部輕鬆可愛的浪漫喜劇，至少《一夜限定》有魅力十足的男女主角，以及些許笑點及甜蜜時刻，並不會太糟，但也不是什麼必看佳作。

Owen（卡倫透納）是披薩店老闆，原本打算在今年的「一夜限定」之夜向女友（瑪雅霍克）求婚，女友卻說她想在今夜跟某位帥鄰居睡睡看；Allie（莫妮卡巴巴羅）是個有抱負的歌手，然而怯場問題令她只能錄些商業廣告歌，在這一夜，單身的她想找人上床，但也希望對象是個讓她真正心動的人。Owen與Allie這兩位素昧平生的陌生人在紐約街頭相遇，雖然一開始有火花，但霉運、誤會和越來越離奇的支線任務不斷將他們拉開，奇妙的是兩人總是會再相會，整夜成為一場古怪荒誕的尋愛之旅。

《一夜限定》裡奇特的政治規範成為背景，觀眾會看到一些聰明搞笑的場景設計，例如每個人手腕上都有植入生物感測器，處處可見荒謬的商品廣告與政治宣傳（甚至有海報宣導未婚者只能做哪些動作、其他哪些「活動」僅有已婚者適用），市區散布著抗議這項禁令的塗鴉，街道上許多地方在倒數享受性愛的時間......等等。但針對這項禁令產生的各式疑問，《一夜限定》都直接跳過，讓政策單純成為男女主角行動的催化劑，也成為誇張喜劇的土壤，將高壓社會秩序下潛藏的孤獨、焦慮與絕望轉化為搞笑事件，當整個紐約的人都在急著上床時，確實激發出許多瘋狂喜劇能量。

其實《一夜限定》的世界觀設定，想多了會讓人很害怕。那是個陰鬱的反烏托邦社會，人們無奈地讓公部門控制自己的身體（還管到能不能上床、有沒有戴套），私人公司則將監控資本主義的恐怖發揮到極限（強制在人體內收集資訊），規定內容本身也令人產生許多疑惑，例如若管制是聚焦於「成年人」的婚外性行為，會否讓還沒植入感應器的未成年人變成更誘人的獵物？隨便一個細節，多想下去都會很恐怖。

幸好《一夜限定》的最大優勢還是在於兩位主角的發揮，雖然因為劇情安排，兩人常常是分開的狀態，但他們在一起的時候總是充滿活力及魅力，尤其一段雜貨店搶劫的戲碼頗有趣。觀眾也不妨留意許多驚喜客串，包括80年代喜劇女王Molly Ringwald、《愛愛愛上你》的兩位主角、長期主持PBS兒童教育節目《Reading Rainbow》的LeVar Burton、在影集《繼承之戰》裡高大笨拙的Nicholas Braun等等。

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浪漫喜劇 一夜限定 卡倫透納 莫妮卡巴巴羅

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奈及利亞／英國導演Akinola Davies的首部電影《父親回來的那一天》，以1993年奈及利亞總統大選為背景，用孩子的視角，描繪了一段父子相聚的短暫時光。這是導演半自傳體的作品，將國家歷史與個人記憶相融合，探索深刻的情感。

故事設定在大選後不久的奈及利亞鄉間，兩兄弟Remi與Akin的母親有事出門，他倆在家裡度過平凡的一天，但長時間缺席的父親Folarin（Sope Dirisu）突然回家，帶兩個孩子去大城市拉哥斯逛逛。這趟旅程是孩子們第一次離開村莊，也是父親試圖彌補的機會。隨著公車拋錨、士兵盤查、街頭抗議等事件，孩子們逐漸意識到父親的另一面——他是個在政治與生活壓力下掙扎的普通人。

導演將大選後的政治氛圍置於背景，例如公車上的爭論、報紙的標題、廣播的新聞、軍人的肅殺眼神等等，在不經意間滲入孩子的日常，即使孩子還不明白這個國家發生何事，但能感受到政治的重量。

影片的核心是父子之間的情感。Folarin長期在外工作，孩子們對他的印象既陌生又敬畏，當他突然出現時，孩子的喜悅中也帶著某些疏離與疑惑。直到旅程漸漸展開，父親帶他們四處玩，分享的回憶及想法越來越豐富，甚至也坦承「想給家人好生活／想多陪伴家人」的矛盾所帶來的無力感，像要在一天裡清楚交代完父親的人生智慧、想法與愛，隱隱帶有告別的意味。

導演手法、攝影、剪接與配樂的合作，讓整部片充滿詩意。片中常使用低視角鏡頭，模擬孩子的觀察方式，沒有明確的重點，對周圍充滿好奇卻也感到困惑。有時候則在現實與幻象間游移，例如鳥群的盤旋、父親的鼻血，讓某種陰影與失落盤旋在這難得的親子日之上。手持攝影捕捉拉哥斯的混亂活力，配樂則在低沉與輕快之間切換，既烘托政治緊張，也表現親情溫暖。

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奈及利亞 父親回來的那一天

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由《靈病》導演David Robert Mitchell擔任編導的《橡樹街末日》，找來安海瑟薇與伊旺麥奎格主演，故事背景設在80年代美國郊區，帶有史蒂芬史匹柏的「Amblin美學」（片中充滿郊區童年的冒險、溫馨的家庭情感以及對奇幻事物的驚奇感），但也加進導演自己的風格。整部片雖有娛樂性，不過看完實在沒有什麼感受。在今年暑假，前面已經有帶來許多話題與情緒的《奧德賽》與《蜘蛛人：重生日》等票房鉅片，《橡樹街末日》接在它們檔期後面實在不太吸引人。

1982年的美國密西根郊區，一對夫妻Greg（伊旺麥奎格）與Denise（安海瑟薇）的關係早已惡化，幾乎無法在子女Audrey與Brian面前掩飾。Denise晚上偷偷寫小說描述一位渴望逃離家庭的女子，Greg失業了只能兼差送披薩，Audrey希望離開小鎮前往康乃爾大學修習天文學，Brian則被霸凌所苦。

然後，一切變得更糟。在一連串奇異現象之後，一家人發現他們的社區經歷不可思議的變化，彷彿這塊郊區被某種時間泡泡特別挖出來放到恐龍時代。本片很聰明地沒有解釋這種科幻前提的緣由，而是讓各種異象漸漸出現。奇異的植被、詭異的聲音、遠方似乎有東西移動、尾巴或爪子的輪廓......一件件暗示即將發生的事，直到各式恐龍們開始在街上遊蕩、甚至在頭頂飛翔。導演與攝影巧妙利用特定的場景突顯不同種類的恐龍，呈現牠們的怪癖與特質。

80年代的背景除了帶來懷舊感，也使得這個郊區更加孤立無援——沒有手機、沒有網路、沒有任何方式取得即時資訊，他們完全只能靠自己。

以一部帶有史匹柏風格的80年代電影來說，《橡樹街末日》算是較為暴力的，攻擊來得突然、殺戮足夠殘忍、死法也頗慘烈，但導演仍在這瘋狂情境裡面找到荒謬的幽默感，比方說有隻恐龍發現冰淇淋車後心情愉快、或是主角一家人能在別人家前院喋喋不休卻沒注意到巨型怪物悄然逼近。

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安海瑟薇 橡樹街末日 伊旺麥奎格

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Adrian Chiarella的導演處女作《愛的魔樣》（Leviticus），是一部將青春成長與超自然恐怖巧妙融合的電影，除了像《靈病》（It Follows）與《鬼手鬼手請開口》（Talk to Me）那樣以具象化的恐懼隱喻青少年的焦慮，更進一步將酷兒愛情的掙扎與宗教壓迫的暴力結合，成為一個既令人心碎又不安的故事。

Naim（Joe Bird）與信仰虔誠的母親Arlene（蜜雅娃絲柯思卡）剛搬來保守小鎮，即使知道同性戀在這兒是禁忌，Naim仍舊喜歡上Ryan（Stacy Clausen），兩人偷偷交往。然而有天Naim偷看到Ryan與牧師之子Hunter（Jeremy Blewitt）親密相處，嫉妒之餘向牧師揭發Ryan與Hunter的關係，牧師找驅魔師來「矯正」兩位年輕男孩，沒想到驅魔儀式似乎帶來某種恐怖超自然力量。

這個恐怖存在，最驚人的一點，是它以「你最渴望之人的形象」出現，也就是說，該惡魔不僅象徵壓迫，更將愛本身轉化為致命威脅。這樣的設定既殘忍又聰明：它讓最親密的情感成為恐懼的來源，讓渴望本身成為危險。這正是宗教狂熱者與恐同者的邏輯——將愛妖魔化，讓年輕人相信自己的慾望會毀滅自己。

因此《愛的魔樣》的怪物並非單純的外在威脅，而是羞恥、恐懼、慾望與宗教創傷的具象化，它能模仿愛與關懷，卻在瞬間化為致命攻擊。這種「親密即危險」的設計，讓觀眾直面酷兒青少年在現實中所承受的心理折磨：被告知自己的愛是錯誤的，甚至必須以死亡來懲罰。

又由於除了被攻擊的受害者外，沒有人能看到這個幽靈，受害者很容易被視為「瘋子」，這讓他們比原本感受到的更加疏離。

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利未記 愛的魔樣

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印度導演Neeraj Ghaywan繼《永生之愛》（Masaan）後，2025年再度於坎城影展推出新作《我們要回家》，該片延續他一貫的社會寫實風格，將鏡頭聚焦於印度北方鄉村的邊緣群體，透過兩位青年的命運，展現出階級與疫情影響下的殘酷現實。

本片靈感來自《紐約時報》疫情時期的報導〈A Friendship, a Pandemic and a Death Beside the Highway〉，故事描述兩位自幼便一起長大的好友Shoaib（Ishaan Khatter）與Chandan（Vishal Jethwa）夢想成為警員，認為制服能替社經階級低下的他們帶來尊嚴與穩定收入。然而冗長的招考結果等待、以及家庭的經濟壓力，使他們生活陷入各種焦慮。

他倆非常努力向上，但始終被社會的偏見推回原點，Shoaib的穆斯林身分讓他工作時飽受歧視，Chandan的賤民地位（Dalit）令他甚至不太敢說出自己姓氏。

當他們好不容易在城市找到工作，疫情卻突然爆發。工廠停擺、沒有薪水、交通中斷，兩人待下來也是要餓死，只能與其他工人一樣，背著行囊踏上遙遠又艱難的返鄉之路。這段旅程成為全片最震撼的篇章，擁擠的卡車、警察的暴力、飢餓與病痛，展現弱勢者在危機中是如何比一般人更為脆弱無助。

Ishaan Khatter無論是壓抑的憤怒或無力的悲傷都表現得真摯動人，Vishal Jethwa則以較為內斂的方式刻畫內心渴望及掙扎，兩人的互動自然而真摯，搭配導演的社會寫實手法，頗為感人。

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印度電影 我們要回家

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由湯姆霍蘭德主演的彼得帕克／蜘蛛人系列，多年來經歷漫威影視宇宙的薩諾斯威脅以及多元宇宙混亂之後，終於在《蜘蛛人：重生日》找到較為單純屬於蜘蛛人的空間，並提出新的問題——在全世界對於彼得帕克的記憶在《蜘蛛人：無家日》結尾被抹除之後，我們的主角該成為什麼樣的人？如果以犧牲人性為代價來成為超級英雄，會有什麼後果？

《蜘蛛人：重生日》的故事發生在上一集的四年後，彼得帕克選擇孤獨的生活，以蜘蛛人的身份保護紐約市，同時遠遠看著MJ（千黛亞）和Ned（Jacob Batalon）過著不再包含他的人生。一波與神祕人物（莎蒂辛克）有關的奇異犯罪，將蜘蛛人捲入一場危險調查，同時，彼得身體的蜘蛛能力產生奇怪的變化，他轉向布魯斯班納（馬克魯法洛）尋求答案。

劇本明智地避免另一場世界級的大事或多元宇宙的洪流，而是打造一個以彼得日常生活為基礎的故事，它放慢腳步，與彼得的痛苦共處，看著彼得成為一個真正的成人，掙扎於打擊犯罪的責任與難以承受的情感重擔之間、試圖處理自己的身分帶來的後果，每一個加入的配角以及每一件重要事件，都為彼得的探索過程鋪路。

這集的彼得，在某件事情逼他直面失去MJ的痛苦時，身體開始以一種失控狀態進行改變，暗示著彼得的新困境——當他致力於蜘蛛人工作而幾乎放棄彼得帕克身分時，是否他自己的「人」味會淡化、「蜘蛛」這一面會開始主導？

劇本運用兩個配角來呼應彼得可能面對的黑暗變化，一位是布魯斯班納／浩克，另一位是法蘭克卡索／制裁者。浩克代表內心的怪物想要衝出來，制裁者則代表陷入悲傷、憤怒與黑暗正義的深淵，前者暗示如果一直壓抑情緒不處理，它終究會冒出來破壞一切，後者則顯示選擇終身孤獨得付出的代價，以及那將如何侵蝕靈魂。

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湯姆霍蘭德 蜘蛛人重生日

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義大利導演Alice Rohrwacher執導的《幸福的拉札洛》（Happy as Lazzaro; Lazzaro felice）是一部兼具詩意與批判性的作品。它既延續了義大利電影傳統中對鄉村、勞動與階級的觀察，又以魔幻寫實的手法，將一個看似簡單的故事推向更深層的社會寓意。

影片開場於義大利鄉間名為Inviolata的村落，這兒與世隔絕，村民們在菸草田裡辛勤勞作，卻不知自己是被非法剝削。地主夫人Alfonsina（Nicoletta Braschi）隱瞞佃農制度已被廢止的事實，將村民困在一個彷彿停滯的時空裡替她無償工作，像是還生活在19世紀，但偶爾會閃現較為現代的物品如隨身聽與棒球帽，形成一種奇異的時代錯置。

故事主角Lazzaro（Adriano Tardiolo）是村落裡的青年，他性格純真、近乎聖人，總是毫無條件幫助他人、從不質疑對方的索求，這使得他成為眾人剝削的對象。Lazzaro與地主之子Tancredi（Luca Chikovani）的相遇，開啟故事的重大轉折，之後故事走向奇幻發展，時間快轉許多年......

***以下有故事中段雷***

***以下有故事中段雷***

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義大利電影 幸福的拉札洛

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挪威導演尤沃金提爾執導的《八月三十一日，我在奧斯陸》，是從1931年的小說《Le Feu Follet》汲取靈感而成（該作品亦曾於1963年由Louis Malle拍成電影）。本片如一幅哀傷的肖像，描繪一位戒毒者在他錯失的人生中尋找意義，看他的光芒如何逐漸熄滅。這位主角非常清楚問題所在，卻也知道自己無法做任何事來扭轉。

34歲的毒品成癮者Anders（Anders Danielsen Lie），住在奧斯陸郊外的戒毒中心，已經快要完成戒毒計畫出院，獲准放一天假，在八月底進市區面試、與親友會面，卻發現自己與任何人事物都沒有連結感。

Anders年輕有想法有才華，照理說他的前景比許多人更好，然而自殺的念頭仍不遠，究竟之前發生了什麼事？《八月三十一日，我在奧斯陸》沒有細談Anders的過去，但從他與朋友、姐姐、及前女友等人的聯絡狀況，可推測他過去或許已做出太多無法挽回或代價龐大的事情，讓親友們無法毫無保留支持他，任何努力都為時已晚。

比起成癮問題，Anders更要擔心的可能是生存本身，他在世界上還有什麼位置？他存在與否意味著什麼？Anders穿梭於奧斯陸街頭，尋找活著的理由與死亡的理由。

對我來說，全片最精彩的部分有兩幕。第一個是Anders拜訪曾經常常與他狂歡享樂的朋友Thomas（Hans Olav Brenner飾演），這位老友目前已婚並有兩個年幼的孩子，Thomas在安慰Anders並懇求對方千萬別想不開的同時，也坦承他自己的生活極度無聊，學者工作頗為枯燥，夫妻關係冷淡，這恰巧與Anders的狀態形成諷刺的對比，畢竟以外人眼光來看，Thomas的中產生活無疑是人生勝利組，但如果連活在這組的人都那麼沮喪，Anders還能說服自己說努力生活改善人生是值得的嗎？Thomas雖全心全意在安慰Anders，但看在旁觀者眼裡恐怕更凝聚了Anders的懷疑與恐懼。

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挪威電影 尤沃金提爾 八月三十一日，我在奧斯陸

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